O espanhol Mario Vega mete-nos numa tenda para nos lembrar das tendas de Moria, um dos maiores campos de refugiados da Europa. A partir dos relatos de três refugiadas, abre um dos muitos alçapões com os podres da Europa, que deixa milhares de pessoas morrer no mar e em prisões a céu aberto. No final, as palmas custam a sair: não há redenção, só desesperança. M.D.

As ideias de herança e de passagem de testemunho que estão no coração desta peça foram o motor, também fora de cena (porque o “mestre” António Capelo e o “discípulo” Bruno Martins trocam de lugar…), de um projecto genuinamente exemplar enquanto celebração em vida do património transgeracional de uma escola de teatro, a Academia Contemporânea do Espectáculo. I.N.

Enquanto avançam pelos aparelhos do all-around, duas ginastas discutem a vantagem de uma sobre a outra, dissertam sobre a promessa socialista e a armadilha capitalista, entregam-se a uma competitividade que, no limite, cede lugar à solidariedade. Apontando a escrita para cada um dos aparelhos, Lígia Soares disserta acerca da crueldade do mundo para lá do último salto. G.F.

Um encenador marxista com acesso premium aos valores de produção da Europa endinheirada e um movimento social que desde 1984 agita a bandeira da reforma agrária no maior país da América do Sul: tanto nos meios como nos fins, a aliança Milo Rau-MST foi muito além do modus operandi do teatro burguês, reivindicando, como os gregos, o espelhamento entre a plateia e a polis. I.N.

Retrato dos capítulos iniciais da colonização da Indonésia pelos Países Baixos, num dispositivo entre o teatro de marionetas e o cinema em que o público assiste em directo à construção do espectáculo. Uma lição de história e um galvanizante exercício de imaginação, minúcia e argúcia; prova de que no teatro quase tudo é possível sem grandes exercícios de maquilhagem: de efeitos especiais com aipo a cenários de guerra com marionetas em miniatura. M.D.

Performance de visceralidade silenciosa, mas arrepiante, de uma artista trans ganesa que continua de pé, a existir e a resistir, num país onde se criminaliza as pessoas queer e numa Europa onde o racismo está ao virar da esquina. Va-Bene mostra-nos a violência por trás de um passaporte que não corresponde à sua identidade de género: vemos, em vídeo, as muitas salas de aeroportos onde todo o seu corpo é visto como uma ameaça e tocado como propriedade alheia, do cabelo aos sutiãs almofadados. Em palco, é ela que se despe a si própria, num ritual de afirmação e ressignificação. M.D.

Apresentadas numa double bill no TBA, as duas peças que o encenador sueco (com a colaboração de Marianne Ségol-Samoy) mostrou em Lisboa são dois exemplos extraordinários de como o teatro pode ser um lugar de escuta, de intimidade e de curiosidade pelo/a outro/a. O público senta-se ao lado dos intérpretes e é hipnotizado por demandas pessoais em busca da identidade. G.F.

Mais de 400 anos depois, vimos o mais seminal dos textos de Shakespeare (ou será de todo o teatro ocidental?) a flamejar de novo em toda a sua inesgotável potência num espectáculo festivo, mas profundamente assertivo, calibrado pelas angústias existenciais de oito actores neurodiversos, a maioria com síndrome de Down – e eis que ser ou não ser passou a ser outra questão. I.N.

Há amor e ódio entre os Coleman, e há uma família agarrada como pode à sobrevivência. Escrita (primorosamente) por Claudio Tolcachir, esta é uma família que tanto se ampara quanto tenta criar hipóteses de fuga. Na sóbria encenação de Pedro Carraca, os dois lugares em que a peça decorre (a casa e um quarto de hospital) são dois alçapões cheios de segredos e eventuais pistas falsas. Seguimos os Coleman, aproximamo-nos deles e, no entanto, as certezas nunca solidificam. Como se cada verdade, assim que a tentamos agarrar, se desfizesse de imediato. G.F.

Num dos teasers de promoção a Blackface, Marco Mendonça era o protagonista de um anúncio em vídeo de uma fragrância chamada Jungle Fever – um perfume “for mixed men only” que prometia colocá-lo em contacto com as suas raízes africanas. Era um pequeno vislumbre do filão de clichés, mais ou menos sofisticados, acerca daquilo que significa ser negro – explorado mais a fundo num outro vídeo em que o actor e criador surge como funcionário do call center da Linha de Apoio ao Racista.

Blackface, primeiro espectáculo que Mendonça cria a solo, dialoga com essas várias formas de estigmatização e de caricatura da população negra, tomando como ponto de partida uma prática que servia, antes de mais, para ridicularizar, menorizar e achincalhar. Porque o blackface era a cara pintada de preto, sim, mas também a imitação de sotaques, a construção frásica truncada, as situações retratadas por aqueles a quem parecia natural rir às custas de um grupo historicamente escravizado e discriminado. Todo um programa de desumanização mascarado de humor.

Marco Mendonça recorre a essa mesma ferramenta do humor para construir um notável espectáculo que se serve dos códigos da stand-up comedy, do teatro e da música, oferece uma contextualização histórica para o uso grotesco do blackface sem cair em pedagogia fácil, colocando-se a si mesmo no centro do espectáculo. Porque aquilo que Mendonça faz não é apontar o dedo colocando-se de fora. Porque é assim que, com enorme inteligência dramatúrgica, nos mostra que o problema (muito mais amplo do que o blackface) é de todos. G.F.

Desviando-se por momentos de um corpo de trabalho fundado no seu próprio corpo, François Chaignaud pôs 13 intérpretes no limbo em que canto e dança se indistinguem e interdeterminam. O resultado é uma peça de uma beleza hipnótica em que vemos materializada a utopia de uma comunidade de vida e de trabalho. I.N.

Uma (auto)reflexão e uma desconstrução sobre as imposições e as tensões da masculinidade que enformam as vivências de homens negros da periferia. Numa performance-concerto entre o hip hop, o kuduro e a música tradicional angolana, Mpasi incorpora certos estereótipos e pactos sociais para os ir driblando e sacudindo, instigando-nos também a pensar nos tiques do nosso olhar enquanto espectadores, enquanto cidadãos. M.D.

A partir dos livros do seu pai, Cláudia Dias inicia um novo ciclo. Este primeiro espectáculo tem por referência A Selva, de Ferreira de Castro, pretexto para olhar para trás, para o colonialismo português no Brasil e para o tráfico de escravos, mas também em frente, para a actual escravatura laboral. Uma peça de palavras e gestos afiados. G.F.

O universo de Tânia Carvalho continua a expandir-se, iluminando (o que pode significar obscurecendo) as twilight zones da existência e da consciência – não necessariamente humanas. Que uma escrita coreográfica tão idiossincrática não asfixie, bem pelo contrário, a personalidade dos intérpretes é apenas um dos prodígios de Versa-vice. I.N.

A remontagem de peças marcantes pode ser um exercício arriscado de saudosismo ou de recuo historicista, mas Gust, a nova versão de Gust9723 (1997), é admiravelmente daqui e de agora, apesar de alguns traços de nostalgia; um espectáculo que faz eco de neuroses e catástrofes do presente, com a crise climática a permitir novas leituras da peça. Pontos extra para o elenco intergeracional, uma feliz conjugação. M.D.

Com muito despudor, mas sobretudo com muita graça, Sónia Baptista inscreveu a menopausa no repertório das artes performativas portuguesas. O mais recente capítulo de uma odisseia autobiográfica que já a levara a abeirar-se de outros temas, digamos, intocáveis (a depressão, em Triste in English from Spanish) é um portento de imaginação. I.N.

Entre o salão de cabeleireiro a céu aberto e o bar-discoteca, entre as vidas escondidas de dia e as existências plenas à noite, entre o medo da perseguição e a euforia sem julgamento. Profético, a peça que a coreógrafa costa-marfinense criou com a comunidade trans de Abidjan, é um lugar de cuidado comunitário e de liberdade. G.F.

Teresa Silva convoca-nos para um palco em que estranheza e familiaridade coexistem, baralhando os códigos e questionando de forma sistemática lugares e objectos do universo doméstico. Um “e se” permanente, um olhar desconcertante e espantado que parece (re)descobrir o mundo a cada segundo. G.F.

A veterana coreógrafa brasileira regressou aos palcos portugueses com uma criação em estado de graça fundada na potência do verbo “esperançar”: uma emocionante e transbordante cápsula das agruras da travessia da pandemia num país em que ela foi exacerbadamente mortífera, uma exuberante manifestação de fé no manancial de passados, presentes e futuros que fervilha, por vezes tragicamente, nas veias do Brasil. Ultrapassado o capítulo Bolsonaro, os aplausos no final das apresentações em Lisboa e no Porto soaram a alívio e a euforia. I.N.

Espalham-se folhas de louro pelo chão. Músicos e bailarinos, vestidos de branco, põem-se a postos. O palco evoca um terreiro de candomblé, espaço de resistência ancestral da população afro-brasileira. “Os tempos novos exigem respostas, e nós queremos saber quem cortou as raízes, quem amolou a faca”, introduz Calixto Neto, ao mesmo tempo que um dos músicos começa a tocar prato-e-faca, instrumento primevo do samba, e a cozinheira Helena dos Santos Correia corta a carne para a feijoada que irá ser servida no final.

A partir de símbolos da identidade nacional brasileira, Feijoada questiona como eles surgiram. Quem teve o direito de escrever a história do país, à custa de quê, à custa de quem, com quantos protagonistas rasurados ou deixados na beira do prato?

Este espectáculo-roda de samba é especial no modo como desdobra a história sem cair em lugares-comuns e em lógicas dramatúrgicas já gastas, operando uma reescrita da mesma, numa conversa dançada e partilhada com o público. No ponto certo, há o conforto de celebrar em conjunto aquilo que se é hoje, estes corpos desejantes, estes corpos com coração ao alto; mas também o desconforto de olhar de frente para as muitas camadas do colonialismo português que Calixto Neto e Ana Laura Nascimento (lesionada, porém arrasando) trazem para dentro do palco, juntamente com o angolano Gio Lourenço e a luso-brasileira Wura Moraes. No final, ficamos a acreditar que um outro futuro é possível. M.D.